Première en région Sud
Première en région Sud
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MICHEL KELEMENIS
MAGNIFIQUES
Une éphémère éternité
Création 2023
Conception, chorégraphie, scénographie : Michel Kelemenis
Avec Gaël Alamargot, Max Gomard, Claire Indaburu, Anthony La Rosa,
Hannah Le Mesle, Marie Pastorelli, Anthony Roques, Mattéo Trutat, Valéria Vellei
Musique : Jean-Sébastien Bach
Création musicale : Angelos Liaros Copola
Costumes : Camille Penager
Lumières : Jean-Bastien Nehr
Réalisation scénographie : Pierre Baudin & Cyril Casano
Spatialisation, régie son et plateau : Jean-Charles Lombard
Lumière : Jean-Bastien Nehr
Régie lumière : Jade Rieusset
En dialogue intime avec une œuvre majeure du répertoire musical, dont il connaît « le moindre recoin », Michel Kelemenis rend un hommage choral à la danse et aux danseurs.
Jadis, la découverte émerveillée de l’immense Magnificat de Jean-Sébastien Bach fut une étape clé de la culture du jeune Michel Kelemenis. Durant la grisaille des confinements, tandis que les seuls moments heureux étaient pour lui ceux passés en compagnie des danseurs, le souvenir de ce « souffle de joie intense » est revenu à sa mémoire. Est née alors l’envie de superposer ces deux temps de bonheur, en chorégraphiant pour neuf interprètes la partition du compositeur allemand. MAGNIFIQUES est une ode à la jeunesse et une invitation à la vie. C’est aussi un appel à ouvrir grand les fenêtres sur un autre lendemain. A l’audace baroque d’une bande son enrichie des compositions électro d’Angelos Liaros Copola, figure de la scène berlinoise, répondent les attitudes et les transformations esthétiques d’une génération décidée à s’affranchir de tous les codes, qu’ils soient de genre, identitaires ou sociaux. Alternant d’un même élan soli et ensembles, les danseurs se font les artisans d’une exaltante mosaïque collective. Leurs gestes comme les notes ont la grâce de l’éclosion, mais aussi celle de l’invention et de la réinvention de soi. Ils ouvrent l’espace, puis aussitôt tracés s’effacent, dans une éphémère éternité.
Michel Kelemenis
Danseur, notamment au CCN de Montpellier auprès de Dominique Bagouet, il fonde en 1987 sa compagnie Kelemenis&cie et est à ce jour l’auteur d’une soixantaine de chorégraphies, entre abstraction et figuration, souvent liées à des thèmes d’actualité. Basé à Marseille, Michel Kelemenis dirige depuis 2011 le KLAP Maison pour la danse. Cet espace de création, dont il est à l’initiative, œuvre au soutien aux auteurs et aux compagnies, au partage artistique éducatif, ainsi qu’à la coopération et à la culture chorégraphique.
Crédits
Production : Kelemenis&cie
Résidence de finalisation scène et lumières : KLAP Maison pour la danse à Marseille
Coproduction : Grand Théâtre de Provence – Aix-en-Provence ; Théâtre Durance – Château-Arnoux-Saint-Auban ; Théâtre Molière – Sète – scène nationale archipel de Thau ; Les Hivernales – CDCN d’Avignon ; TROIS C-L – Centre de Création Chorégraphique Luxembourgeois ; Châteauvallon – scène nationale ; Maison des Arts du Léman – Thonon-les-Bains ; Scène 55, scène conventionnée art et création – Mougins.
17h30 - 1h
de 15€ à 25€
Tout public
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CLOUD GATE DANCE THEATRE OF TAIWAN
13 Tongues
Création 2016
Pièce pour 13 interprètes
Chorégraphie : Cheng Tsung-lung
Scénographie : Ho Chia-hsing
Musique : Lim Giong
Création lumières : Shen Po-hung
Vidéo : Ethan Wang
Création costumes : Lin Bing-hao
Coach voix : Tsai Pao-chang
Danseurs : CHAN Pui-pui, CHEN Tsung-chiao, CHOU Chen-yeh, FAN Chia-hsuan, HSU Chih-hen, HUANG Lu-kai, HUANG Mei-ya, HUANG Po-kai, LEE Tzu-chun, SHAO Hsing-wen, WANG Chun-hung, WU Jui-ying, YEN Hsueh-hsin.
Plongée au cœur de l’imaginaire taïwanais avec la plus ancienne compagnie asiatique de danse contemporaine, dans un vertigineux kaléidoscope d’images et d’émotions.
Fermez les yeux… et rouvrez-les dans l’une des artères grouillantes de vie de Bangka/Wanhua, le plus vieux district de Taipei. Là où grandit le jeune Cheng Tsung-lung, bercé par les récits de sa mère sur une figure populaire locale, l’artiste Thirteen Tongues. Dans les années soixante, ce conteur légendaire avait pris pour scène la rue, avec ses activités humaines nobles ou triviales, ses rites sacrés, ses fêtes profanes, et fait des habitants de son quartier les personnages de ses narrations inventives. Trente ans après, le chorégraphe puise à la source de ses souvenirs pour recréer la clameur palpitante et les légendes envoûtantes qui ont marqué son enfance. Des chansons folkloriques au chant taoïste, en passant par l’électronique et par le son immémorial d’une cloche rituelle à une seule main, la musique immerge le spectateur dans un espace-temps fusionnel. L’héritage religieux de l’ancien Bangka/Wanhua, celui du royaume des esprits, se fond avec le visage contemporain des passions humaines. Rompus à tous les styles, les treize – décidément ! – danseurs de la troupe évoluent dans un décor immersif, qui se recompose au gré d’éblouissantes projections de lumières et d’images. En lien spirituel avec les divinités surgit un monde fantastique, porteur de la mémoire de tout un peuple.
Cheng Tsung-lung, Cloud Gate Dance Theater of Taïwan
Fondé en 1973 par Lin Hwai-min, le Cloud Gate est reconnu comme « l’une des meilleures compagnies internationales ». Ses créations, nourries de techniques traditionnelles comme de danse classique et contemporaine, sont représentées dans le monde entier. Depuis 2020, elle est dirigée par le danseur et chorégraphe Cheng Tsung-lung, qui a d’abord rejoint la troupe en 2002 comme danseur puis pris en 2014 la tête du Cloud Gate 2. Sa dernière pièce, Send In A Cloud (2022) présente en couleurs changeantes les parcours de vie des danseurs.
Crédits
Commande du National Theater & Concert Hall (Taipei)
Avec le soutien du Ministère de la Culture de Taïwan, R.O.C.
18h - 1h05
de 16€ à 50€
Tout public à partir de 8 ans
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COMPAGNIE MICHÈLE NOIRET
l’œil, l’oreille et le lieu
Création 2022
Pièce de danse-cinéma pour 2 interprètes
Conception et chorégraphie : Michèle Noiret
Créée avec et interprétée par : David Drouard et Sara Tan
Création vidéo : Vincent Pinckaers, Aliocha Van der Avoort
Images 3D : Romain Lalire
Composition musicale, interactions et régie son : Todor Todoroff
Musique additionnelle : Entrance Song de Black Angels
Création lumières : Yorrick Detroy
Scénographie : Wim Vermeylen, Michèle Noiret
Costumes : Patty Eggerickx
Direction technique et régie plateau : Frédéric Nicaise
Régie lumières : Alexandre Chardaire
Régie vidéo : Yves Pezet (en alternance avec Aliocha Van der Avoort)
Confection costumes : Isabelle Airaud, Sarah Duvert
Photographies : Sergine Laloux
Production et diffusion : Morten Walderhaug
Communication et presse : Alexandra de Laminne
Administration et coordination : Cathy Zanté
Réel ou virtuel ? Film d’anticipation ou spectacle de danse ? Bousculant les repères, cette proposition interactive captivante interroge notre rapport à la nature et au vivant.
« Quelque chose s’est perdu, on n’y voit rien, on n’y entend rien… » annonce Michèle Noiret. Ce quelque chose disparu, ce sont les insectes. L’artiste imagine un futur où la plupart de ces minuscules mais indispensables créatures n’ont pas survécu aux dérèglements environnementaux provoqués par l’homme. Seuls quelques lieux dédiés, permettant de convoquer la mémoire et l’inconscient collectif, offrent la possibilité de sensibiliser au monde d’avant ceux qui ne l’ont pas connu. Et d’espérer, peut-être, le voir renaître un jour… Sur cette trame dystopique, la chorégraphe déploie une écriture scénique nourrie de toutes les ressources technologiques de la danse-cinéma, art dans lequel elle est passée maître. Effets visuels, jeux de lumière et musique futuriste de Todor Todoroff transforment le plateau en un laboratoire d’anticipation. Se filmant en direct à l’aide de smartphones, les interprètes, Sara Tan et David Drouard, se prêtent à diverses expériences sensorielles. Sur l’écran, leurs vidéos alternent avec celles d’insectes démesurément agrandis, dont les mouvements et les postures inspirent à ces deux représentants de notre humanité un nouveau dialogue charnel. Comme une invitation à changer d’échelle et à re-considérer un écosystème incroyablement complexe, qu’il importe de préserver.
Michèle Noiret
Formée à l’école Mudra de Maurice Béjart, elle fonde en 1986 sa compagnie à Bruxelles. Auteure de près de 40 chorégraphies, elle introduit dans ses créations, dès les années 90, les technologies interactives du son et de l’image et questionne par ces langages multiples le chaos du monde, ainsi que nos perceptions de l’espace et du temps. Sa danse révèle une écriture inventive soutenue par une recherche rigoureuse, portée par des interprètes considérés comme de véritables « personnages chorégraphiques ».
Crédits
Production Compagnie Michèle Noiret/Tandem asbl
Coproductions Baerum Kulturhus, Sandvika – Oslo (NO) Stormen Konserthus, Bodø (NO) Charleroi danse – Centre chorégraphique (BE)Centre des arts – CDA, Enghien-les-Bains (FR)
Résidences Centre des arts – CDA, Enghien-les-Bains (FR) ; Charleroi danse – Centre chorégraphique (BE) ; Baerum Kulturhus, Sandvika – Oslo (NO) ; Stormen Konserthus, Bodø (NO)
Soutiens Fédération Wallonie Bruxelles, Service Général de la Création Artistique – Service de la Danse ; Wallonie-Bruxelles International (WBI) ; Tax Shelter du Gouvernement Fédéral Belge – Casa Kafka Pictures Tax Shelter.
Première en région Sud
Première en région Sud
20h00 - 55 min
de 12€ à 28€
Tout public à partir de 12 ans
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Séance scolaire le
Vendredi 8 décembre à 14h
RÉSERVATION
Inscriptions conseillées pour les groupes au 04 92 99 33 78 ou parisse@palaisdesfestivals.com
COMPAGNIE NATIONALE NORVÉGIENNE DE DANSE CONTEMPORAINE - CARTE BLANCHE
BIRGET ; Ways to deal, ways to heal
Direction Annabelle Bonnéry
Création 2023
Pièce pour 13 interprètes
Idée et concept : Elle Sofe Sara et Joar Nango
Chorégraphie : Elle Sofe Sara
Avec Caroline Eckly, Noam Eidelman Shatil, Nadege Kubwayo, Trine Lise Moe, Dawid Lorenc, Adrian Barczak, Aslak Aune Nygård, Ole Martin Meland, Brecht Bovijn, Gaspard Schmitt, Naomi Schouten, Ihsaan de Banya, Mai Lisa Guinoo
Scénographie : Joar Nango
Musique : Ànndaris Rimpi
Création lumière : Arne Kambestad
Dramaturgie : Thomas Schaupp
Recherche : Ravdna Turi Henriksen
Création costumes : Indrani Balgobin
Pour invoquer la résilience d’un peuple maltraité par l’Histoire, BIRGET invite à ‘faire communauté’. Une expérience sensible et délicate, servie par des interprètes d’excellence.
Pour Annabelle Bonnéry, directrice artistique de Carte Blanche, la danse n’est pas seulement le terrain d’expression de la créativité. C’est aussi le lieu de l’engagement des artistes sur les questions sociales qui traversent le monde. En témoigne la première collaboration de la compagnie nationale norvégienne de danse contemporaine avec la chorégraphe Elle Sofe Sara et le scénographe Joar Nango. D’origine sàmi, tous deux questionnent l’héritage colonial et l’attitude de l’État norvégien envers ces populations autochtones longtemps discriminées. A cet égard, le titre de la pièce, Birget, est en soi une déclaration d’intention puisqu’en langue sàmi, cette expression signifie « faire face et survivre dans un environnement changeant ». Soit exactement ce qu’ont fait des générations durant ceux qui, aujourd’hui, osent revendiquer leur culture et leur identité. Pour autant, la pièce ne se limite pas à faire œuvre militante : à travers les corps virtuoses des treize danseurs internationaux qui composent l’effectif de la troupe, elle offre l’expérimentation d’un rite sublimé de réconciliation et de guérison collectives. Les contes, part vitale de la culture des peuples nomades du Grand Nord, constituent la trame de ce qui est autant un geste artistique qu’un acte politique de fraternité.
Carte Blanche, Elle Sofe Sara, Joar Nango
Carte Blanche, fondée en 1989 et placée depuis 2018 sous la direction artistique d’Annabelle Bonnéry, est l’une des compagnies scandinaves les plus représentées à l’international. Chorégraphe et réalisatrice de film, Elle Sofe est co-fondatrice de DÁIDDADÁLLU, un collectif d’artistes contemporains indigènes sámi. Quant à l’artiste visuel sámi Joar Nango, il a co-fondé le collectif architectural Felleskapsprosjektet et a été nominé par Norsk Form comme jeune architecte de l’année en 2012. Nango est artiste invité pour la Biennale d’Architecture de Venise 2023
Crédit
Coproduction : The Norwegian National Opera & Ballet ; Bergen International Festival ; Nordic Next ; BIT Teatergarasjen
Première française
Première française
18h - 1h
de 11€ à 28€
Tout public
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PROJECTION “BIRGET : portrait d’un processus de création”
Film documentaire de Andreas Leonardsen SAM 25 NOV à 10h30, Palais des Festivals (entrée libre)
COMPANIA PAULA COMITRE
Alegorías (El limite y sus mapas)
Création 2022
Idée originale : Paula Comitre
Artiste invitée et chorégraphie danse contemporaine : Lorena Nogal
Guitare : Juan Campallo
Percussion : Rafael Heredia
Chant : Tomas de Perrate
Mise en scène : Tanya Beyeler
Direction et création musicale : Jesús Torres
Lumières : Bernat Jansá
Son : Gaspar Leal
Transposée en mouvements, l’opposition philosophique entre le sensible et l’intelligible infuse, en symbiose avec l’âme flamenca, une incandescente dialectique à deux corps.
« Tout ce que nous voyons est-il réel ? Ou bien notre monde est-il seulement peuplé d’apparences ? » Comme le souligne son sous-titre, ce duo placé sous le signe de l’allégorie interroge « la limite et ses cartes ». La chorégraphe Paula Comitre, étoile montante du flamenco, l’interprète elle-même aux côtés de Lorena Nogal, passée par la compagnie IT Dansa et le collectif La Veronal de Marcos Mauro. Le contraste de ces deux personnalités – la première lumineuse, ardente, la seconde à la précision acérée – et la puissance de leurs gestuelles respectives électrisent une scénographie sous tension constante. A l’instar du drap qui en préambule, recouvre les corps des deux danseuses, vibre ici sous des atours contemporains un flamenco authentique, soutenu par le jeu du guitariste Juan Campallo, le chant de Tomas de Perrate et l’efficace batterie de Rafael Heredia. Les codes séculaires de la danse, du crépitement des pieds aux subtiles inflexions des mains, se fondent dans le flux passionné qui emporte jusqu’au tableau final des artistes unis par une même passion généreuse. Traversé par cet élan vital, on voyage en musique et en danse au cœur de l’Andalousie et jusque vers d’autres cultures inspirantes latine, grecque ou cubaine. Dépassant les limites, pour mieux redessiner les cartes.
Paula Comitre
Après des études au conservatoire de Séville, la danseuse et chorégraphe, née en 1994, a rejoint jusqu’en 2016 le Ballet Flamenco de Andalucia. Elle est ensuite interprète pour les chorégraphes Rafaela Carrasco et David Coria, et danse notamment dans les pièces Nacida Sombra, El Encuentro et Fandango !. Sacrée en 2020 Révélation des festivals de Jerez et de Séville pour sa première pièce, le solo Camara Abierta, elle a créé en 2021 Cuerpo Nombrados au festival flamenco de Madrid, et en 2022 Alegorias au Théâtre national de Chaillot à Paris.
Crédits
Production : Arte y Movimiento produccionnes SL
Coproduction : Chaillot – Théâtre national de la danse
Photos @Alain Scherer
Première en région Sud
Première en région Sud
18h00 - 1h10
de 11€ à 28€
Tout public
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Volutes
Création 2022
Pièce pour 8 interprètes
Conception chorégraphique : Wendy Cornu
Avec Julie Alamelle, Grégory Alliot, Zoé Bernabeu, Anthony Barreri, Lucie Gemon, Louis Nam Le Van Ho, Jeanne Stuart, Lorenzo Vanini
Musique : Son Sine : Uncertainly, Antonio Vivaldi : Nisi Dominus (Psalm 126) R.608 par James Bowman, Franz Schubert : Auf dem Wasser zu singen, Op 72 par Barbara Bonney, Ibrahim Maalouf : Ritournelle III, Jean-Sébastien Bach : Sonata for viola da Gamba No 3 in G Minor BWV 1029: I.Vivace par Yo-Yo Ma / Chris Thile / Edgar Meyer, Jean-Sébastien Bach : Sonata for viola da Gamba No 3 in G Minor BWV 1029: III. Allegro par Yo-Yo Ma / Chris Thile / Edgar Meyer, Senking : Schacht, Julianna Barwick : Inspirit
Création lumières : Yvan Labasse
Régisseur son : Antoine Perrin
Assistant chorégraphique : Max Fossati
Création costumes : Julia Didier
En résonance intime avec les sons, l’énergie des corps compose une partition où mouvement et musique ne font qu’un. Une inédite exploration sensorielle et chorégraphique.
Regarder la musique et écouter la danse : tel est le propos de cette pièce audacieuse sélectionnée en 2020 au concours Danse Élargie, organisé en partenariat avec la Fondation Hermès par le Théâtre de la Ville à Paris. Autour de la notion clé de composition, Wendy Cornu fait de la partition musicale le support premier de sa chorégraphie. Schubert, Bach, mais aussi la trompette du jazzman Ibrahim Maalouf, l’électro de Son.Sine ou les boucles vocales hypnotiques de Julianna Barwick, deviennent ainsi la matrice et la structure des volutes gestuelles des huit danseurs. Outre les propositions musicales, ces derniers reçoivent également des indications vocales de direction dans l’espace auxquelles, selon un jeu de hasard évoquant le travail de Merce Cunningham, ils choisissent ou non de répondre. Tel un tableau vivant ou un work in progress, Volutes offre ainsi une construction aussi complexe qu’infiniment naturelle, dont les corps sont les instruments. Chacun de ces « instantanés » reconfigure à mesure le plateau, faisant souffler sur la pièce une spirale de sensations et un vent de liberté qui emporte les spectateurs. En équilibre, cet objet musical et chorégraphique singulier réussit à marier synchronicité et écoute, actions collectives et échappées individuelles. Insolite et captivant.
Compagnie Mouvimento – Wendy Cornu
Formée au Centre national de danse contemporaine (Cndc) d’Angers, Wendy Cornu a été entre 2002 et 2012 interprète de plusieurs compagnies, dont celles d’Emanuel Gat et de Georges Appaix. En 2010, elle crée son premier solo, 3Times, puis fonde avec Julie Alamelle la compagnie Mouvimento au sein de laquelle toutes deux signent quatre pièces, d’Ellipses à Effacée(s). Wendy Cornu a été lauréate en 2017-18 de la Fondation Royaumont pour le cursus Prototype V et a durant cette résidence initié le processus de réflexion menant à Volutes.
Crédits
Production : Mouvimento 2021-22
Coproducteurs : Les Hivernales – CDCN Avignon ; Danse Élargie (avec l’aide de la Fondation d’entreprise Hermès) – Paris ; CCN Caen en Normandie – Accueil studio 2021 ; Klap Maison pour la danse – Marseille ; CCN de Nantes ; CCN Ballet de Marseille – Accueil studio 2021 ; Pôle des Arts de la Scène – Friche la Belle de Mai ; DRAC PACA – Aide au projet ; Ville de Marseille ; Département des Bouches-du-Rhône ; Région Sud.
Soutiens : Amphithéâtre de la Verrière – Aix-en-Provence, Marseille Objectif Danse – Friche Belle de Mai, Scène 44 n+n Corsino – Marseille, Fondation Royaumont – Asnières sur Oise, L’Etang des Aulnes, Saint-Martin-de-Crau.
15h - 45min
Plein : 10€ / - 26 ans : 5€
Tout public à partir de 12 ans
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Séance scolaire le
Lundi 27 novembre à 10h00
Renseignement
Jessica PIRIS
– Tel : 04 89 82 20 46
– Mail :
jessica.piris@ville-cannes.fr
BALLET DU GRAND Théâtre DE GENÈVE
Direction : Sidi Larbi Cherkaoui
SKID
Reprise de la pièce créée en 2017 pour la GöteborgsOperans Danskompani
Pièce pour 18 interprètes
Première en région Sud
Chorégraphie : Damien Jalet
Scénographie : Jim Hodges et Carlos Marques da Cruz
Composition musicale : Christian Fennesz et Marihiko Hara
Costumes : Jean Paul Lespagnard
Lumières : Joakim Brink
Conseiller à la chorégraphie : Aimilios Arapoglou
Interprètes : Yumi AIZAWA, Céline ALLAIN, Zoé CHARPENTIER, Diana DIAS DUARTE, Emilie MEEUS, Sara SHIGENARI, Madeline WONG, Jared BROWN, Adelson CARLOS, Quintin CIANCI, Oscar COMESANA, Armando GONZALEZ, Julio LEON TORRES, Ricardo MACEDO, Juan PEREZ, Geoffrey VAN DYCK, Nahuel VEGA
Durée : 45 min
VÏA
Création 2023
Pièce pour 15 interprètes
Première en région Sud
Chorégraphie : Fouad Boussouf
Scénographie : Ugo Rondinone
Musique : Gabriel Majou
Costumes : Gwladys Duthil
Lumières : Lukas Marian
Assistante à la chorégraphie : Filipa Correia Lescuyer
Interprètes : Yumi AIZAWA, Céline ALLAIN, Zoé CHARPENTIER, Diana DIAS DUARTE, Emilie MEEUS, Stefanie NOLL, Sara SHIGENARI, Madeline WONG, Quintin CIANCI, Adelson CARLOS, Armando GONZALEZ, Ricardo MACEDO, Juan PEREZ, Luca SCADUTO, Nahuel VEGA.
Durée : 50 min
Deux pièces, deux univers. A l’appel métaphysique du vide répond l’énergie du sol et de la terre. Un programme tout en contraste, interprété par une compagnie de haut vol.
Sur le plateau, une plateforme inclinée à 34 degrés s’élève en diagonale vers les hauteurs. Dessus, à genoux, rampant, glissant en arrière ou pour de brefs instants debout, dix-sept danseurs s’obstinent sans relâche à gravir la pente et éviter la chute. Skid, créé en 2017 à l’Opéra de Göteborg, met les corps à l’épreuve de la gravité. Le dispositif imaginé par les artistes plasticiens Jim Hodges et Carlos Marques da Cruz devient le terrain de multiples expérimentations physiques suscitant en retour autant d’états émotionnels, de la résistance à l’abandon. Dans cet univers instable, le contact physique avec l’autre demeure le meilleur recours face à l’appel du vide, belle métaphore de la condition humaine.
A l’inverse Vïa, créée en avril 2023 par Fouad Boussouf, revient avec force au sol d’où tout est né. Le chorégraphe a confié à l’artiste Ugo Rondinone, avec lequel il avait collaboré en 2020 pour une installation de vidéo-danse, la réalisation d’un revêtement évoquant aussi bien l’asphalte chauffée au soleil des danses urbaines que la terre africaine des origines. Soutenus par les pulsations électro-symphoniques de Gabriel Majou, les quinze interprètes traversent une série de métamorphoses organiques au fil de cycles de danse enchaînés jusqu’à la transe. Comme un souffle vital qui jamais ne s’arrête.
Damien Jalet,
Chorégraphe et danseur indépendant, Damien Jalet circule de grandes collaborations à l’international en projets plus personnels. Ses œuvres, souvent collaboratives, témoignent du pouvoir de la danse à se réinventer en permanence dans le dialogue avec d’autres disciplines telles les arts plastiques, la musique, le cinéma et la mode. Il a travaillé pour les ballets C de la B, Sasha Waltz, Chunky Move, Eastman, NYDC, Hessisches Staatsballett, le Ballet de l’Opéra national de Paris, Scottish Dance Theatre, Iceland Dance Company, etc.
Pour la scène, il a notamment créé : Babel(words) (2013) ; Boléro (2013); Inked (2013) ; Les Médusés (2013); YAMA (2014) ; Gravity Fatigue (2015) ; VESSEL (2015) ; Thr(o)ugh(2016) ; SKID (2017) ; Pelléas et Mélisande (2018) ; Omphalos (2018).
A l’écran, il collabore avec le réalisateur Gilles Delmas pour créer The Ferryman en 2016, avec la participation de Marina Abramović et Ryūichi Sakamoto, film présenté lors de la Biennale de Venise en 2017. En 2018, il signe la chorégraphie du remake Suspiria de Luca Guadagnino. L’année suivante il chorégraphie le film Anima de Paul Thomas Anderson avec Thom Yorke qui en a également composé la musique ; l’œuvre est nominée aux Grammy Awards en tant que « Meilleur Film Musical » et primé aux UK Music Video Awards dans la catégorie » Meilleure chorégraphie ».
Dernièrement, il crée Brise-lames (2020) pour le Ballet de l’Opéra national de Paris avec le plasticien JR, le pianiste Koki Nakano et le danseur Aimilios Arapoglou ; en collaboration avec l’artiste Kohei Nawa avec qui il avait créé VESSEL, il signe le film Mist pour le NDT1 puis crée Planet[wanderer] à Chaillot – Théâtre national de la Danse (2021); il crée Kites (2022) pour la GöteborgsOperans Danskompani.
Il a par ailleurs collaboré sur certaines séquences de la tournée théâtrale 2019-2020 de Madonna, Madame X ; il crée les chorégraphies de plusieurs chansons de sa tournée événement 2023-2024 The Celebration Tour, dont il est aussi creative advisor. En 2023, il signe la chorégraphie du film Emilia Perez, première comédie musicale de Jacques Audiard (sortie attendue en 2024).
Damien Jalet est nommé Officier de l’Ordre des Arts et des Lettres par le gouvernement français fin 2022.
Fouad Boussouf
Danseur, chorégraphe et pédagogue de la danse, Fouad Boussouf, né au Maroc, est arrivé en France à 7 ans. Il s’initie à la danse hip-hop, au modern jazz et au nouveau cirque, puis fonde en 2010 la compagnie Massala. Ses pièces, dont Näss (Les Gens) et OÜM, s’inspirent de sa formation multiple et de la culture de son pays d’origine. Depuis janvier 2022, il dirige le Centre chorégraphique national du Havre.
Ballet du Grand Théâtre de Genève
Fondé en 1962 en tant que compagnie permanente, le Ballet du Grand Théâtre de Genève, composé de 22 artistes, est placé depuis 2022 sous la direction de l’artiste et chorégraphe Sidi Larbi Cherkaoui.
Crédits
Skid
Production
Coproduction
Première à l’Opéra de Göteborg, Suède
VIA
Production
Coproduction : Équinoxe – Scène Nationale de Châteauroux
20h30
de 16€ à 50€
Tout public
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COMPAGNIE PHILIPPE SAIRE
Salle des fêtes
Création 2021
Concept et chorégraphie : Philippe Saire
Avec les danseurs Neal Maxwell, David Zagari
Création lumières : Philippe Saire, Vincent Scalbert
Création sonore : Philippe de Rham
Costumes : Isa Boucharlat
Régisseur : Louis Riondel
Symboles de puissance et de fragilité, séduisants, parfois inquiétants, les ballons de baudruche sont au cœur de ce spectacle insolite, aussi subtil et délicat que l’air.
Au départ, il y a le souhait de renouveler l’espace scénique avec une proposition scénographique forte. De cette démarche sont nées depuis 2011 quatre pièces au format original, Black Out, Néons, Vacuum et Ether. Salle des Fêtes, structuré en trois actes, est le cinquième volet de ces « Dispositifs ». Assis en cercle sur le plateau, le public est invité au plus près de l’action. Au centre, un disque-couvercle libère des ballons multicolores, gonflées à l’hélium, avec lesquels dansent deux clowns blancs au visage masqué. Leur aspect étrange tranche avec un univers qui évoque irrésistiblement la joie de l’enfance, les divertissements populaires et les factices royaumes enchantés de Walt Disney. Tandis que, reliés à leur structure circulaire, les ballons passent successivement du ras du sol au haut des airs, avant de se poser à nouveau à terre, on s’interroge : ces clones ont-ils pour mission de nous distraire ? Ou bien sont-ils chargés d’incarner, à la façon d’une catharsis, notre inévitable pesanteur humaine alliée à notre besoin inné de légèreté et d’élévation… Se gardant de trancher, Philippe Saire laisse chacun goûter la magie consolatrice d’une chorégraphie teintée de nostalgie et d’humour tendre. En souvenir de l’enfant ravi, tenant la ficelle d’un ballon, qui sommeille en chacun de nous.
Philippe Saire
Féru d’arts visuels, de théâtre et de cinéma, le chorégraphe Philippe Saire est l’une de personnalités majeures de la scène suisse contemporaine. Avec sa compagnie fondée en 1986, il a créé une trentaine de pièces à la réalisation ciselée, parmi lesquelles Vie et Moeurs du Caméléon Nocturne ou encore Hocus Pocus. Basé à Lausanne, il a reçu en 2004 le « Prix suisse de danse et de chorégraphie » décerné par ProTanz, Zürich, et pour son lieu de travail et de création, le Théâtre Sévelin 36, le Prix spécial de danse 2013 de l’Office fédéral de la culture.
Crédits
Production : la compagnie Philippe Saire est soutenue par la Ville de Lausanne, le Canton de Vaud et Pro Helvetia, Fondation suisse pour la culture.
La Cie Philippe Saire est compagnie résidente au Théâtre Sévelin 36, Lausanne.
Soutiens : la Loterie Romande, la Fondation Philanthropique Famille Sandoz, Ernst Göhner Stiftung, la Fondation Françoise Champoud e la Fondation Corymbo.
Première en région Sud
Première en région Sud
14h30 & 17h30 - 50 min
Plein : 25€ / - 26 ans : 15€
Tout public (jauge limitée)
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B.DANCE
ALICE
Création 2021
Pièce pour 13 interprètes
Chorégraphie : Po-Cheng Tsai
Avec : Chien-Chih CHANG, Li-An LO, Chen-Ning CHANG, Siang-Fu ZENG, Ho-Chien CHANG, Yu-Hung WANG, Hsing TSENG, Yi-Ru CHENG, Chen-Yu LIAO, Shu-Han YEH, Chieh-Wen LIU, Ming-Hsuan LIU, Ming-Fen WU
Musique : Rockid Lee
Création lumières : Otto Chang
Conception vidéo : Po-Chih Chang
Au pays des merveilles de Po-Cheng Tsai, l’univers de Lewis Carroll se marie à la spiritualité de l’Asie de l’Est. Un spectacle raffiné, poétique, et un conte pour tous.
Comment faire d’un classique de la littérature enfantine anglo-saxonne un objet chorégraphique à la fois universel et parfaitement original ? Réponse avec ce ballet onirique, né en 2021 de la collaboration entre la compagnie taïwanaise B. Dance et son chorégraphe inspiré Po-Cheng Tsaï, avec le Tanz Lucerner Theater dirigé par Kathleen McNurney. Sur la partition new age du sound designer Rockid Lee, ballet classique, gestuelle contemporaine, hip-hop et jazz se combinent avec le taï-chi, les arts martiaux, le kung-fu, et même la danse folklorique chinoise. La scénographie est à elle seule un voyage, qui convoque aussi bien un labyrinthe de miroirs que des calligraphies à l’encre noire, ou des projections vidéo tendance psychédéliques signées Po-Chih Chang. Particulièrement somptueux, les costumes participent à l’enchantement, et comme l’héroïne, le spectateur va de surprise en surprise dans cet univers baigné de lumières changeantes, qui ne ressemble à rien de ce qu’il a déjà vu. A leur impeccable maîtrise technique, les danseurs ajoutent une part de mystère qui fait de la chorégraphie, écrite au cordeau, une véritable exploration de l’âme humaine. A la fois théâtral et visuel, psychologique et très physique, ALICE est une réussite et une découverte fascinante, à ne pas manquer !
Po-cheng Tsai, B. Dance
Diplômé en 2009 de l’Université des arts de Taipei, Po-Cheng Tsai crée en 2014 la compagnie B.Dance et développe un style unique alliant la gestuelle de la tradition asiatique et le vocabulaire classique et contemporain occidental. Distinguées lors de nombreux concours internationaux, ses pièces sont représentées dans le monde entier, dont en France au festival d’Avignon. Il chorégraphie également pour plusieurs compagnies étrangères, parmi lesquelles Gauthier Dance ou La Veronal. Il est désigné en 2018 chorégraphe de l’année par le magazine Tanz.
Crédits
Production : Chia-Fang Sun
Soutiens : TAIWAN TOP Performing Arts Group et Ministère de la culture de Taïwan
20h30 - 1h25 avec entracte
de 16€ à 28€
Tout public à partir de 5 ans
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SÉANCE SCOLAIRE :
le mardi 28 novembre à 14h30
RECIRQUEL CIRQUE DANSE
Solus Amor
Création 2020
Écrit, mis en scène et chorégraphié par Bence Vági
Musique: Edina Szirtes
Création lumières: Attila Lenzsér, József Pető
La danse, le cirque et l’amour : en fusionnant ces trois ingrédients, la compagnie hongroise Recirquel compose un somptueux ballet aérien, au langage universel.
La danse, le cirque et l’amour : en fusionnant ces trois ingrédients, la compagnie hongroise Recirquel compose un somptueux ballet aérien, au langage universel.
Ils ont popularisé un nouveau concept : le Cirque Danse, à la jonction des arts circassiens et du langage chorégraphique, qu’il soit classique ou contemporain. Armés de ce sésame, les artistes internationaux et multi-talents de Recirquel développent depuis 2014, sous la direction de Bence Vági, des spectacles qui enchantent les publics du monde entier. Troisième volet d’une trilogie à succès, Solus Amor, créé en 2020 à Müpa Budapest, succède à My Land, meilleure production 2018 au Festival Fringe d’Édimbourg, joué à guichets fermés au Off d’Avignon, et à Non Solus (2015) acclamé à la Brooklyn Academy of Music (BAM) de New York. Après avoir exploré les liens de l’homme avec la terre-mère, de la naissance à la mort, Vági convoque cette fois « l’énergie ancestrale pour raconter une histoire sur la foi et l’amour, sur l’univers et la nature ». Aux côtés des artistes, un vrai-faux ours polaire, dû au talent du marionnettiste sud-africain Janni Younge, incarne une présence animale. Se déroulant en grande partie dans les airs, Solus Amor présente plusieurs séries de tours à couper le souffle, alliées à des séquences de danse purement lyriques. La scénographie, les costumes, et la musique d’Edina Mókus Szirtes créent un espace multidimensionnel, intemporel, unissant d’un même élan passé lointain et futur proche.
La compagnie Recirquel
Fondé en 2012 à Budapest par le metteur en scène et chorégraphe Bence Vági, Recirquel est devenu l’une des principales compagnies de cirque contemporaines au monde. Ses productions pionnières ont sensibilisé le public hongrois et international à cette nouvelle forme d’art. Son style puise son origine dans le théâtre classique hongrois ainsi que dans le spectacle créé en 2017 par Bence Vági à Budapest, pour la cérémonie de clôture du 17e Championnat mondial de natation, qui mêlait déjà danse et cirque autour de la plus ancienne légende de Hongrie.
Crédits
Production : Müpa Budapest
Crédits photo : Tamás Réthey-Prikkel
Première en région Sud
Première en région Sud
