Ce documentaire est la chronique d’un processus créatif unique : la grande chorégraphe nous donne un accès sans précédent à son travail, à ses projets en cours et à ses archives personnelles. Les images d’archives soigneusement sélectionnées couvrant les quarante dernières années révèlent l’influence que sa vie et ses liens profonds avec l’inconscient ont eue sur les pièces complexes et imaginatives qu’elle a créées. Comprenant des entretiens exclusives, des séquences de répétitions intimes et des séquences de danse éblouissantes, le film est la première perspective critique sur la carrière brillante d’une femme aux multiples facettes.

C’est une première pour 30 danseurs de hip-hop, krump, break, voguing… Une première pour le metteur en scène Clément Cogitore et pour la chorégraphe Bintou Dembélé. Et une première pour l’Opéra de Paris. En faisant dialoguer danse urbaine et chant lyrique, ils réinventent ensemble le chef-d’œuvre baroque de Jean-Philippe Rameau, Les Indes Galantes. Des répétitions aux représentations publiques, c’est une aventure humaine et une rencontre aux enjeux politiques que nous suivons : une nouvelle génération d’artistes peut-elle aujourd’hui prendre la Bastille ?

Le long métrage documentaire Louise Lecavalier, sur son cheval de feu propose une plongée cinématographique au coeur de l’oeuvre et de la vie de la danseuse et chorégraphe canadienne Louise Lecavalier. Des danses spectaculaires, des musiques originales et des entrevues exclusives composent un film inspirant et émouvant qui dessine le portrait intime d’une artiste passionnée et toujours habitée par la quête du mouvement parfait.

Tandis qu’elle s’apprête à tenir le rôle de Jocaste, Martha Graham nous présente sa compagnie, parle de la vie, de l’art et de la technique du danseur.

« A Dancer’s World est un film magnifique car il montre la danse là où on ne l’attend pas. Le montage alterne la loge, où l’on voit Martha Graham se maquiller avant d’entrer en scène pour interpréter Night Journey tout en méditant sur la formation du danseur, et des séquences de danse de la compagnie.

Martha Graham en se coiffant, s’habillant, évoque le monde de la danse : comment on devient un personnage, la nécessité de la discipline en studio, le temps qu’il faut – des années d’exercice – pour accéder à la simplicité, à la spontanéité, à l’instant de l’acte théâtral. » 

Bernard Rémy

Présentation

Au terme « chorégraphie », Carolyn Carlson préfère celui de « poésie visuelle ». En voyant Crossroads to Synchronicity on ne peut que lui donner raison, tant cette pièce est empreinte de profondeur onirique, déployant le mouvement dans un temps suspendu qui ressemble aux méandres de son imaginaire. Crossroads to Synchronicity revisite une pièce de 2012, inspirée par le principe de synchronicité emprunté à Carl Jung. Elle est l’expression d’une perception sensible des événements qui bouleversent le cours d’une vie. A la « croisée des chemins » une porte ouvre sur l’inconscient. Et Carolyn Carlson semble tailler sa pièce dans l’étoffe des rêves et les ressacs de la mémoire. La chorégraphe offre, en seize tableaux d’une beauté à couper le souffle, une pièce empreinte de romantisme, sur des séquences musicales évocatrices qui nous rappellent l’Amérique de sa jeunesse : Roy Cooder, Bob Dylan, Bruce Sprinsteen… ou ses origines finlandaises à travers La Valse triste de Sibelius. Ainsi, elle nous transporte dans un autre monde… Qui n’est autre que l’univers de Carolyn Carlson, baigné d’une lumière quasi métaphysique dont la moindre variation nous entraîne vers d’autres paysages porteurs d’aubes, de crépuscules ou de nuages d’orage. Une fenêtre ouvrant sur un extérieur chimérique, plongé dans un brouillard crépusculaire nous fait apercevoir des personnages en ralenti extrême et surréel, images d’un passé très présent.

Le mot de Brigitte Lefève : Carolyn Carlson, je l’ai vue la première fois au théâtre de Chatillon avec Alwin Nikolaïs ! Elle m’a semblé être un OVNI par sa beauté et son art de sculpter l’espace. Depuis, nous n’avons cessé de nous croiser au cours de nos itinéraires respectifs. Que cette femme exceptionnelle soit là pour conclure mon dernier festival me touche énormément. Sa présence est aussi un beau cadeau pour le public.

Quelques mots sur la chorégraphe
Née en Californie, Carolyn Carlson s’est fait d’abord connaître comme soliste chez Alwin Nikolaïs, avant de créer ses propres œuvres et de s’installer en 1971 en France où elle va jouer un rôle majeur dans l’éclosion de la danse contemporaine. L’année suivante, elle chorégraphie Rituel pour un rêve mort. Rolf Liebermann, alors directeur de l’Opéra de Paris la remarque et l’invite comme « étoile chorégraphe » à créer le GRTOP en 1974. A partir de 1980, elle dirige successivement le Teatro Danza à Venise, le Ballet Cullberg à Stockholm, la section danse de la Biennale de Venise. De retour en France, elle fonde L’Atelier de Paris Carolyn Carlson en 1999, prend la tête du CCN de Roubaix (Ballet du Nord) en 2004, avant de créer la Carolyn Carlson Company en 2014.

Mentions obligatoires
Production : Carolyn Carlson Company
Coproduction : Le Théâtre de Rungis avec la collaboration de la Ville de Mons-en-Baroeul et du CDCN Atelier de Paris
Avec le soutien financier de Tilder

La Carolyn Carlson Company est subventionnée par le Ministère de la Culture (DGCA-délégation danse) et reçoit le soutien du Crédit du Nord.

Présentation

OFFRANDE, est une création « à six mains » composée sur l’Offrande musicale de Jean-Sébastien Bach, sommet du contrepoint avec ses canons à voix multiples. Elle est considérée comme le chef-d’œuvre « d’un maître qui tire les conclusions non seulement des expériences d’une vie, mais d’une époque entière ». Elle rassemble sept interprètes que Mié Coquempot, Béatrice Massin et Bruno Bouché ont fait se rencontrer pour cette pièce. Cette OFFRANDE est aussi un hommage à Mié Coquempot (1971-2019) et un exemple saisissant de coopération entre artistes. Chacun d’entre eux a disposé des mêmes interprètes, du même temps d’écriture, des mêmes costumes, de la même scénographie. Ils ont en commun l’amour de la musique et travaillent le mouvement en relation avec celle-ci. L’architecture délicate de l’œuvre de Bach, qui tresse les différentes voix comme autant de fils qui s’entrelacent construit la structure fondamentale de cette chorégraphie multiple où se rejoignent les écritures baroque, classique et contemporaine. OFFRANDE est bâtie comme une arche en cinq parties avec ses ricercare, ses canons, et le trio formant la voûte. Une œuvre lumineuse, d’une spiritualité affirmée dans son dialogue avec la partition de Bach qui retentit aujourd’hui comme un enjeu esthétique et un chemin de vie.

Le mot de Brigitte Lefèvre : J’avais rencontré Mié Coquempot au moment de la création de cette œuvre. L’entendre en parler m’avait beaucoup émue. C’est une pièce de transmission, qui porte haut les valeurs de partage. Alors que Mié n’est plus avec nous, elle continue à exister grâce à Béatrice Massin et Bruno Bouché, ce qui m’apparaît comme exemplaire.

Quelques mots sur les chorégraphes :

Mié Coquempot (1971-2019) débute sa carrière au sein de nombreuses compagnies. Formée à la musique autant qu’à la danse, elle a axé son travail de création sur un dialogue singulier et radical entre ces deux formes d’expression. En 1998, elle fonde sa compagnie K622, clin d’œil au Concerto pour clarinette de Mozart et a chorégraphié depuis plus de 35 pièces. En 2017, elle signe 1080 – ART DE LA FUGUE, inaugurant un cycle dédié à Jean-Sébastien Bach qui se referme avec OFFRANDE.

Béatrice Massin est une des plus grandes spécialistes de la danse baroque. Son écriture chorégraphique est un mélange inédit entre style baroque et danse contemporaine. Elle dirige la compagnie Fêtes galantes depuis 1993 et fait entendre, à notre siècle, un baroque qui intéresse le spectateur d’aujourd’hui.

Bruno Bouché fait toute sa carrière de danseur à l’Opéra de Paris. Depuis 1999, il est parallèlement directeur artistique d’Incidence Chorégraphique, qui produit les créations des danseurs du ballet de l’Opéra de Paris, représentées en France comme à l’étranger. Il signe ses propres œuvres depuis 2003. En 2013, il prend la direction artistique du festival Les Synodales à Sens. En juillet 2016, il est nommé directeur du CCN – Ballet de l’Opéra national du Rhin.

Mentions obligatoires
Production déléguée K622
Coproduction Paris Réseau Danse (Atelier de Paris – CDCN, ADDP – micadanses, L’Etoile du Nord – scène conventionnée pour la danse, AMD XXème – Le Regard du Cygne), CN D – centre national de la danse, La Briqueterie – CDCN du Val-de-Marne dans le cadre de l’accueil studio, dispositif soutenu par le Ministère de la Culture / DRAC Ile-de-France, L’échangeur – CDCN Hauts-de-France.
Avec le soutien du Ballet de l’Opéra national du Rhin et de la compagnie Fêtes Galantes
Avec le soutien de la Ville de Paris au titre de l’aide à la résidence ; création soutenue par le Département du Val-de-Marne
Création soutenue par l’ADAMI

K622 est soutenue par le Ministère de la Culture – DRAC Île-de-France
K622 est conventionnée par la Région Île-de-France

Présentation

D’un côté la Terre, de l’autre ceux qui l’arpentent : le vagabond, l’errant, le marcheur. Le titre en dit déjà long : l’un ne va pas sans l’autre dans cet amour onirique et viscéral entre les humains et la planète à laquelle ils sont liés. Pour Damien Jalet, Planet [wanderer] marque un nouveau jalon dans sa recherche chorégraphique consistant à réactiver la connexion entre l’homme et la nature, entre le physique et la métaphysique, entre le monde visible et l’invisible. Depuis Yama (la montagne en japonais) présenté au Festival de danse de Cannes en 2017, le chorégraphe nous plonge dans d’étranges rituels pour « percer le tissu du monde afin de révéler ce qui s’y cache, cette part perdue dans l’inconnu ». Planet [wanderer] est le second volet d’un diptyque entamé avec Vessel, une collaboration exceptionnelle entre Damien Jalet et le plasticien Kohei Nawa. Cette précédente pièce nous entraînait au cœur de deux niveaux de Kojiki (les plus anciens livres japonais qui décrivent la création du monde) : Yomi (le monde souterrain) et Takama-ga-hara (la haute plaine dans les cieux), un ballet fascinant où le corps humain semblait se métamorphoser au cours d’expériences spirituelles pour se fondre avec les éléments. Planet [wanderer] se déroule sur le troisième et dernier niveau : Ashihara-no-Nakatsukuni, soit La terre centrale des roseaux, qui n’est autre que notre planète, les roseaux représentant, comme chez Blaise Pascal, les humains que nous sommes. 

Le mot de Brigitte Lefèvre : Damien Jalet était présent dès 2015 au Festival de danse de Cannes et je l’ai programmé en 2017 pour la création de Yama avec le Scottish Ballet qui a été l’un des grands succès de ce festival. Il nous revient avec sa nouvelle pièce, Planet [wanderer], qui conjugue une quête de spiritualité à ses préoccupations écologiques.

Quelques mots sur le chorégraphe :

Révélé aux côtés de Sidi Larbi Cherkaoui, le danseur et chorégraphe Damien Jalet a pris, depuis 2013, un chemin très personnel qui plonge ses racines dans la diversité culturelle, les mythologies, et une pensée cosmopolite. Il travaille avec les plus grandes compagnies internationales, dont le Ballet de l’Opéra national de Paris. Parallèlement, il collabore avec Thom Yorke (Radiohead) pour Anima, un film dansé ou avec Madonna, dont il a signé certaines chorégraphies pour sa tournée Madame X. Damien Jalet travaille régulièrement avec le metteur en scène Arthur Nauzyciel et crée, en étroite collaboration avec le danseur Aimilios Arapoglou, souvent pilier de ses créations.

Mentions obligatoires
Production : Chaillot – Théâtre national de la Danse
Coproduction : Théâtre National de Bretagne / Festspielhaus St Pölten / Tokyo Metropolitan Theatre / Rohm Theatre Kyoto / Opéra de Rouen Normandie / Sandwich

Nominé pour le Prix FEDORA – VAN CLEEF & ARPELS pour le Ballet 2020 Cofinancé par le programme Europe créative de l’Union européenne

Présentation

L’homme est un loup pour l’homme. La phrase, loin d’être nouvelle, prend pourtant tout son sens dans notre actualité récente, où la rentabilité domine, où les partis extrémistes et nationalistes prennent de l’ampleur, où la société promeut la compétition pour le pouvoir personnel. Est-il possible de changer de cap avant le déchirement irrémédiable du tissu communautaire ? Telle est la question qui agite la chorégraphie d’Edouard Hue, All I Need. Plongeant ses neuf danseurs et danseuses dans une structure qui rappelle celle du jeu de GO où la conquête du territoire n’a de sens qu’en trouvant un compromis d’équilibre avec son adversaire, il invente un ballet stratégique complexe et passionnant. Leurs corps, au bord de la rupture, débordent d’une énergie ivre de puissance, vibrent d’impatience, bouillonnent de colère. La densité de l’espace s’électrise, le mouvement frôle l’implosion. Ou se détend brutalement dans une déflagration élastique. Nos protagonistes trouveront-ils une issue ? Le chaos laissera-t-il place à une accalmie pour reconstruire une harmonie ?
En première partie, le duo Shiver – dansé par Edouard Hue (prix Suisse de Danse 2019 Danseur Exceptionnel) et Yurié Tsugawa (interprète des rôles majeurs du répertoire d’Angelin Preljocaj) – diffuse un frisson d’excitation, de froid, de peur, qui rend le spectacle palpitant.

Le mot de Brigitte Lefèvre : Édouard Hue est un magnifique danseur maintenant chorégraphe à l’écriture personnelle. Je lui ai demandé une création de neuf danseurs pour le festival qui sera précédé d’un duo qu’il dansera avec Yurié Tsugawa. Il compose des chorégraphies où le corps est sollicité à l’extrême, où la performance physique transcende le mouvement tout en incarnant son regard sur le monde.

Quelques mots sur le chorégraphe :

Edouard Hue est un danseur, chorégraphe et pédagogue passé par le Ballet Junior de Genève avant d’être interprète pour les chorégraphes Hofesh Shechter, Damien Jalet et Olivier Dubois. En 2014, il créé la Beaver Dam Company afin d’assouvir sa quête d’indépendance et de développer son propre langage chorégraphique. La compagnie tourne à l’international et propose parallèlement à ses créations, des formations et médiations à l’attention d’un public vaste. En 2019, Edouard reçoit le Prix Suisse de la danse qui le consacre en tant que « Danseur Exceptionnel ».

Mentions obligatoires

SHIVER
Avec le soutien de la République et Canton de Genève, Pro-Helvetia – Fondation Suisse pour la culture, CORODIS – Commission Romande de Diffusion des Spectacles, Ville d’Annecy

ALL I NEED
Production : Beaver Dam Company

Co-productions : Festival de Danse de Cannes – Cote d’Azur France, Salle du Lignon – Vernier Culture, Le Dôme Théâtre – Albertville, Equilibre-Nuithonie – Fribourg, Centre Chorégraphique National de Mulhouse – Opéra National du Rhin, L’Auditorium Seynod – Scène Régionale Auvergne – Rhône-Alpes                                                                                                                                                                              Résidences : Château-Rouge, L’Auditorium Seynod – Scène Régionale Auvergne – Rhône-Alpes, L’Imprimerie – Genève, Théâtre du Vellein – CAPI, Salle du Lignon – Vernier, Centre Chorégraphique National de Mulhouse – Opéra National du Rhin                                                        Soutiens : Loterie Romande, Ville de Vernier – Vernier Culture, Ville de Genève, Ville d’Annecy, Fondation Sophie et Karl Binding, Pro-Helvetia – Fondation Suisse pour la Culture, DRAC Auvergne-Rhône-Alpes, Fondation Stanley Thomas Johnson, Conseil Départemental de la Haute-Savoie, Fondation Ernst Göhner, Fondation Anne-Marie Schindler, République et Canton de Genève, CORODIS – Commission Romande de Diffusion des Spectacles, Région Auvergne-Rhône-Alpes

Partenariat « Binding First Dance » avec la Fondation Sophie et Karl Binding.